ESTEBAN CASTILLO dijo

SOTO Y PARÍS
En el Paris de la década de los años 50, no se hablaba de geometría ni de constructivismo ni de abstraccionismo geométrico; había, para ese entonces, un interés por el abstraccionismo lírico o gestual. En una encuesta que se realizó en el mes de junio 1950 sobre: ¿Cuál era el pintor más importante para los jóvenes artistas? La mayoría manifestó el interés por Kandisky y Klee; Las pinturas y el libro de Kandisky, “ De lo espiritual en el Arte”(1912) y como también, las enseñanzas, y las obras de Paúl Klee tenían mucha repercusión.
Igualmente, el reciente lanzamiento del joven pintor Bernard Buffet, de 22 años, era de una gran actualidad; Buffet era un artista figurativo de bodegones y de figuras alargadas y esqueléticas que reflejaban imágenes de la posguerra. Artista lanzado al mundo del arte por un hábil marchante de cuadros para hacerle frente al abstraccionismo lírico y gestual. Era el artista para ese entonces que las galerías de todo el mundo querían exponer. El crítico de arte Michel Tapié publicó el libro “Arte Otro”. El Arte Informal y gestual dominaba la escena artística parisina. El pintor francés Georges Mathieu era una de las vedettes. En Rusia la vanguardia artística de comienzos de siglos veinte y el manifiesto realista de Naun Gabo y de Pevsner, donde se empleó por primera vez la palabra cinética, se comentaba poco. Había un gran vacío, muchos artistas habían emigrado a los Estados Unidos, sobre todo a la ciudad de Nueva York. En las décadas de los 20, Marcel Duchamp realizó los Ready- mades y obras con movimientos Piet Mondrian, quien vivía en esta ciudad desde 1940, continuaba en sus búsquedas, muere en1944. Europa tenía muy reciente el recuerdo de la guerra, y sobre todo El Holocausto. Muchos artistas querían hacer una pintura libre y que se alejara de la figuración. Obras de gestos, manchas y texturas.
Los conceptos de la Bauhaus, el Stijl, la obra de Kasimir Malevith, Mondrian, y el arte geométrico, a los artistas en su mayoría no les interesaba, a pesar de las experiencias del Grupo y de la revista “Circulo y Cuadrado”(1930) de Abstraction-Création( 1931) donde habían estado el Uruguayo Torres García, Kandinsky, Pevsner y muchos otros. Los pintores Victor Vasarely y Augusto Hervin hacían sus experiencias en el arte geométrico. La Galería Denise René inaugurada en 1944, mostraba las primeras obras de Vasarely y de otros artistas abstractos geométricos, o la Academia de arte abstracto donde los pintores Dewasne y Pillet (década de los 50) enseñaban nuevas búsquedas y la utilización de modernos materiales, como la formica y el plexiglás. El Grupo Madi formado por latinoamericanos como el uruguayo Carmelo Arden Quin, el argentino Gyula Kosice y el venezolano Luis Guevara Moreno y otros, habían roto con el formato rectangular o cuadrado, y donde había obras transformables y formas abstractas geométricas.
“Los Disidentes”, a finales de la década de los 40, y más tarde Soto van a estudiar las obras y planteamientos de Pied Mondrian, De Stijl, La Bauhaus, Malevich, Molí-Nagy, Gabo y Pevsner.
En Paris, el grupo “Los Disidentes” con planteamientos abstractos geométricos, formado por los artistas: Alejandro Otero, Mateo Manaure, Pascual Navarro, Luis Guevara Moreno, Perán Erminy, Rubén Núñez, Aimée Battistini y otros. Ellos habían tomado una posición crítica hacia el arte figurativo que se realizaba en ese momento en Venezuela. Su NO rotundo a la pintura tradicional, NO a la Escuela de Artes plásticas, NO a los falsos salones de Arte Oficial(...) Éste grupo optó por la tendencia de la abstracción geométrica. Algunos habían regresado a Venezuela, y se dedicaron a trabajar en la integración del arte en la Ciudad Universitaria y en otros edificios públicos.
En esa atmósfera llega a Paris Jesús Rafael Soto, pero él, así como muchos otros artistas venezolanos tenían frescas en sus memorias las enseñanzas de Antonio Edmundo Monsanto( 1890-1948) quien, había sido director de la escuela de artes de Caracas. Él, les había sensibilizado con los planteamientos de Paúl Cezanne, que todo “se reduce al cubo, al cono y al cilindro” Conocían las obras de Mondrian, Picasso, Braque y el cubismo por litografías. El maestro Soto se decepciona de lo que se estaba haciendo en Paris y aprovecha que un amigo va con su carro para Ámsterdam y parte al encuentro de las obras de Van Gogh y de Mondrian.
Las interrogantes de ese joven artista de 27 años, aún con el fresco recuerdo de Maracaibo y, con una obra con influencias Cezaniana. Soto va a comenzar a trabajar a partir de Mondrian, Malevich y a reunirse con artistas como Tanguily, Calder, Vasarely... Estos creadores tenían un gran interés por el movimiento real o virtual. Los artistas empleaban materiales extra-pictóricos, como plásticos, metal, alambres, motores, etc. Al comienzo del siglo XX, los constructivistas Rusos y en especial Vladimir Tatlin y Naun Gabo, Moholy-Nagy, Antoine Pevsner, habían utilizado estos materiales en sus creaciones plásticas.
Todavía en la década de los 60 ciertos artistas latinoamericanos decían: “Soto lo que hace es: rayitas”. Él calladamente, como un monje Zen, inmutable, concentrado en sus búsquedas, estudiando y planteándose ideas nuevas, buscando nuevas salidas a sus planteamientos plásticos. Tocando guitarra, para vivir y poder hacer su obra y dando a conocer la música venezolana y de otros países de América del Sur.
El efecto Muaré siempre había estado en la naturaleza; él observó como se producía en su obra, esto va a ser un descubrimiento para Soto, perdón, para el maestro Soto. Lo que él llamo “visión del movimiento”; ahí, probando sobre dos superficies una de madera rayada y otra rayada en una superficie de plexiglás, o con tres de plexiglás, acercándola y alejándolas, colocándolas a 6-10-15-20 o más centímetros observó como se movían por desplazamiento del espectador. Pronto las líneas se movieron y así nacen muchas obras entre ellas “Espiral” o “La cajita para Villanueva” y más tarde “ Los penetrables” y un sin número de obras, de diferente formatos y colores. La participación en la exposición “Movimiento” en el año 1955, donde están presentes los artistas: Alexander Calder, Bury, Tinguely, Duchamp. Agan, Jacobsen, Vasarely y celebrada en 1955 en la Galería Denise René. Con esa constancia, con esa voluntad apolínea, con esa gran sensibilidad desarrolló su obra, con serenidad, humildad e investigación, convirtiéndose en uno de los creadores plásticos más importante del siglo XX, y hoy cuando apenas comenzamos el siglo XXI, nos daremos cuenta con los años de la importancia de su creación y, del gran aporte al arte universal. El maestro Jesús Rafael Soto es uno de los más trascendentales artistas del Siglo veinte.
“La Esfera Soto”, que se encuentra en la Autopista Francisco Fajardo y que había sido destruida, va a ser reconstruida, gracias a la gestión de PDVSA y el Centro de Arte La Estancia... Hace un poco más de un año se nos fue el maestro Soto, hoy le recuerdo con cariño y admiración a éste gran maestro del arte universal...

Esteban Castillo estebancastil26@hotmail.com

27 Marzo 2007 | 01:32 AM

Esteban Castillo dijo

Carlos Cruz Diez
Hace calor, estamos en el mes de Agosto de 1967. Es la inauguración del Salón Arturo Michelena. Hay mucho público, pero algo ocurre, la gente se desplaza al lado de un señor pequeño, con grandes patillas, me acerqué un poco y pregunté ¿ Quién es ese señor? La persona me contestó: “ Es el famoso pintor Carlos Cruz Diez y vive en Paris”, cuando quedó un poco más solo, me le acerqué y le dije: Que quería que viniera a ver mis obras, al verlas me dijo: “Están muy bien, pero las búsquedas en este momento están en otra dirección”. Yo estaba exponiendo “Las máquinas”, obras gestuales de gran colorido. Ya para esa fecha el maestro Carlos Cruz Diez, andaba profundizando sus búsquedas en los colores y en el Cinetismo. Yo conocía algo de su obra; unos niños esqueléticos, en un cerro de Caracas elevando cometas, y rodeados de ranchos y, así, uno que otro dibujo en algunas revistas, pero su nueva obra no la conocía.
Los meses pasaron, y de repente ya estoy en Paris, y si bien recuerdo fui con un amigo a su taller, que si la memoria no me engaña estaba cerca de la Bastilla. Pero pienso que antes de llegar, tendría que darme un paseo por la evolución de sus búsquedas.
Nace en Caracas el 17 de agosto de 1923. Estudia en la Escuela Cristóbal Rojas de Caracas. Trabaja como diseñador gráfico, director artístico la agencia Mc Can Erickson. Estudia, aprende, viaja. Su pintura para esos años es de temática social, trabaja en diferentes diarios y revistas, entre ellas “El tricolor”, EL Nacional y otros.
En 1955- 1956 viaja a Paris y Barcelona ( España) Ya el arte cinético y el arte geométrico era la vanguardia; en Paris y parte de Europa se sorprendían de las obras de estos artistas la mayor parte extranjeros y sobre todos argentinos y venezolanos, entre ellos su amigo el maestro Jesús Rafael Soto que abrían nuevos caminos en el arte. En algunas de ellas, el movimiento virtual o real, era logrado por el viento, la electricidad o el desplazamiento del espectador. Es en ese momento que el maestro Carlos Cruz Diez llega a Paris. Las búsquedas están orientadas a las síntesis de las artes, formas geométricas que se pasean en medios de reflejos, sombras y luces. Los elementos extra- pictóricos llenan el universo de los artistas; el color y el movimiento son los actores principales. Carlos Cruz Diez, estudia, analiza las teorías científicas del color, la Bauhaus, el Stijl. Pienso que para él no era nada nuevo ya que como diseñador gráfico, conocía muy bien estas técnicas; conocía la trama, los puntos y la mezcla de cian, azul y rojo, el proceso de fotograbado, fotografías, sabía cómo se comportaban en una impresión de un afiche o de una revista. Con indecisiones si se va o se queda regresa a Venezuela e instala su propio taller “Estudios de Artes Visuales.”
Los puntillistas o divisionistas(1886) trabajaron con la adición de puntos de colores, donde la retina o mejor dicho el cerebro se ocupa de mezclar los colores; para eso utilizaron, el lienzo, el óleo y el pincel, las teorías de Chevreul estaban presentes. Y casi un siglo después un venezolano va a comenzar a desarrollar sus creaciones. Ahora es profesor de la escuela de artes y en el 59 creó su primera fisicromía y en el 60 llega a Paris para quedarse y comienzan a participar en diferentes exposiciones por el mundo. En Abril de 1966, el GRAV, sacude a los franceses en las calles con sus obras participativas.
Pero, lleguemos al taller cerca de la Bastilla, si bien recuerdo era como a 200 metros de ese gran símbolo. Ahí, estaba él con su esposa Mirta ( desaparecida recientemente) y si hablamos de trabajo, de búsquedas, de estudio, tenemos que hablar de ese gran amor, que el maestro Carlos Cruz Diez, su esposa y sus tres hijos: Carlos, Jorge y Adriana, construyeron como una gran fisicromía, con colores y formas llena de todas las combinaciones cromáticas y de amor. Se fue su esposa dejándolo, con sus hijos, sus colores, sus obras, sus maquetas... Yo compartí muchas veces con ellos, tardes llenas de risas, colores y afectos de amistad..
Esa tarde, me habló de sus fisicromías. Era a fínales del año 1967 y yo andaba nutriéndome por los talleres. El maestro Carlos Cruz Diez me explicó, como hacía su obra y los conceptos que respaldaban sus creaciones. Me habló de lo que era color aditivo, sustractivo, reflexivo; de luz coloreada, de desplazamientos del espectador. Para esa fecha el maestro Cruz Diez, utilizaba cartón y madera, después evolucionó a materiales más modernos, plexiglás, metal, aluminio y salí contento de ese lugar, donde un alquimista moderno trataba de encontrar no la piedra filosofal, sino de esa cantera de colores, de formas, de movimientos, que comenzarían a ser mostradas por el mundo entero.
Investigador incansable, artista por antonomasia, artista emblemático; el maestro Carlos Cruz Diez, siempre dispuesto a orientar, ayudar a mucho artistas que han encontrado en él, un amigo, un maestro. A veces yo pasaba por su taller en busca de ideas para construir máquinas, que yo necesitaba para mi taller y él muy gentilmente me ayudaba a encontrar la solución. Otro día pasé a llevarle un obsequió de unas pequeñas serigrafías de mis trabajos, se alegró mucho e inmediatamente me dio una serigrafía dedicada.
En los últimos años lo he visto poco, y hace tiempo en Tovar, Mérida, (2000) lo vi y me dijo: ¿Dónde te has metido?. Y me invitó a su taller en Bailadores, esa noche de mucho frío y de neblina. La obra había cambiado a través de los años. Había materiales, como siempre, plexiglás, metales, tornillos y sobre todo, cuadros, serigrafías, maquetas, proyectos...
Me mostró algunas fisicromías que contrastaban con el gris de la neblina que estaba afuera acariciando las montañas. Ahí, y después de tantos años de mi primera visita a su taller en Paris, volví a sentir y apreciar los colores aditivos, sustractivos, y reflexivos. Fui en compañía de ese gran amigo, de ese gran protector de artistas y gran coleccionista, como lo es Iván Vivas. Después de compartir con el maestro Carlos Cruz Diez, su esposa y otros artistas y una sabrosa comida preparada por Jorge, su hijo. Regresamos a la casa de Iván, Gerardo Escalona, Cesar Andrade y dormimos en medio de obras de arte. Había neblina, pero mi pupila impregnada de tantas armonías lo único que veía eran combinaciones de colores que contrastaban en la noche helada de esas montañas andinas Hoy, hace calor, tan igual como el día que yo conocí al maestro Carlos Cruz Diez en Valencia, a uno de los grandes creadores del arte universal.
¿Entonces, nos tomamos un cafecito? Es así, como me decía el maestro Cruz Diez, e íbamos a un café en la esquina de la Rue Piere Semard, siempre que yo iba a visitarle. Se había convertido en un ritual. Esos rituales que hace que nos unamos a personas y que formemos circuitos de amistad, y me quedo pensando en su taller antigua carnicería que tiene el símbolo del caballo. Las paredes pintadas de rojo; pero, ahí ahora, no se vende carne de caballo. Pero, se encuentra en ese espacio: máquinas, plásticos, pinturas, tornillos, pinceles, ordenados de tal manera que nunca se pierde tiempo en buscarlos. En este espacio, ahora hay, un creador que se dedica a crear bellas fisicromías, cromosaturaciones, y serigrafías, orgullo de todos los venezolanos. Quiero decir que hay muchas obras del maestro Carlos Cruz Diez que necesitan restauración, de las obras urbanas que están en Caracas y para finalizar... quién pase por el 23, Rue Pierre Semard, en Paris, pensara que es una carnicería, pero, ahí, ahora, se hace Arte... hasta pronto maestro.
Esteban Castillo

5 Abril 2007 | 04:36 PM